HOMOCINÉFILUS

Un fáustico y orgiástico festín cinematográfico en línea (Primera parte de cuatro)

“¿Qué películas ver en línea y sin ningún costo, durante esta feroz y angustiante cuarentena que nos impone un letal y contagioso virus, el COVID-19? Aquí la primera parte de cuatro, con las primeras diez de “un fáustico y orgiástico festín cinematográfico en línea”, seleccionado por el crítico de cine Fernando Bañuelos.

Por Fernando Bañuelos

Adiós al lenguaje un genial y masivo ensayo filmado.

¿Qué películas ver en línea, durante esta feroz y angustiante cuarentena que nos impone un letal y contagioso virus, el COVID-19, que ha postrado a la humanidad en una era, en la que, soberbios que somos, pensamos que ya habíamos dejado atrás a todas las pandemias que podían arrasar con la raza humana y nos hace recordar nuestra frágil condición frente a la poderosa naturaleza?

Pero no, estamos aquí, ofreciéndoles y presentándoles este fáustico y orgiástico festín cinematográfico para repetir las trágicas noticias que se ciernen por todo el mundo informativo. Por demás está decir que el Coronavirus, hasta el momento de anunciarles este festival de cine virtual, ha causado la muerte de más de 15 mil personas y tiene infectadas a más de 300 mil en 183 países.

En realidad debemos ser congruentes con la idea de que el cine se liga indisolublemente, con el entretenimiento y la cultura. También, y por añadidura, con la concientización social, la denuncia y la exposición de la tragedia humana, enmarcadas en la belleza de las imágenes en movimiento y los altísimos valores cinematográficos.

De hecho esos son los criterios que determinaran las cintas online, subtituladas la mayoría, para respetar la esencia creativa de la cintas, que además sean asequibles, gratuitas y legales, que les proponemos en este festival de cine de streaming de Homocinéfilus.

Con esta muestra de cine virtual, también cumplimos un sueño, el de organizar un festival de cine, aunque en este caso, la alfombra roja y el glamour inherentes, los tendrán que imaginar, recrear, obviar, cada uno de los espectadores, frente a su pantalla de televisión y acompañados con el grupo social que el virus les impone.

También damos cuenta de dos objetivos largamente anhelados: El de compartir el gusto y la recomendación de Obras Maestras que no sólo divierten sino que además nos hacen reflexionar sobre las poderosas historias de los seres humanos que se sobreponen a las adversidades y el inmenso placer de rescatar y visibilizar las cintas geniales que sólo los entendidos del cine conocen, que pululan en el cerebro del crítico de cine y que ahora, forzados por la circunstancias del encierro, tienen la oportunidad de ser revaloradas, más allá de la dictadura que impone la cartelera semanal de los estrenos  y los intereses puramente comerciales.

Finalmente, cuando el destino nos alcance (Soylent Green , Richard Fleischer, EUA, 1973 ),  en realidad  ya nos alcanzó, y estamos obligados a estar en casa, en una cuarentena forzosa para salvar nuestra salud, nos enfrentamos a la oportunidad ideal de adquirir una cultura cinematográfica, como quien no quiere la cosa. Si es que ustedes así lo deciden.

No hay de otra: los cines están cerrados y las pérdidas para la industria cinematográfica  son multimillonarias. Por lo tanto el estadounidense Box Office está inhabilitado, algo insólito e histórico. El mexicanísimo taquillómetro, obvio también dejó de registrar las entradas a las salas de cine y las ganancias. Las pérdidas son de miles de millones de dólares en los tres niveles de la industria de cine: la producción, distribución y exhibición, pero paradójicamente las hasta ahora repudiadas plataformas de streaming saltan a la palestra y adquieren una decisiva carta de naturalización en el gusto y la preferencia de millones de espectadores.

Una última consideración: ¿será el cine en casa esa herramienta sanadora del espíritu de la humanidad en esta terrible contingencia? ¿Se convertirá el séptimo arte en el streaming en la fuerza catártica para que la raza humana alcance una nueva y poderosa consciencia social y ecológica?

Menos argumentos y más recomendaciones:

1. En los bosques de Siberia, (Dans les forêts de Sibérie), de Safy Nebbou, Francia 2016

La aventura fílmica En los bosques de Siberia (cuyo título original es Dans les forêts de Sibérie), está basada en la experiencia frugal que vivió durante seis meses el escritor parisino Sylvain Tesson, en una pequeña cabaña de nueve metros cuadrados a la orilla del lago Baikal, en Siberia, y que durante el duro invierno recogió en su bitácora, al lado de sus libros y mucho vodka. Asqueado del agitado mundo sin sentido en el que vive, Teddy (el actor Raphaël Personnaz), un ejecutivo parisino, se arriesga a pasar una temporada solo, alejado del bullicio y la falsa sociedad. Un viaje a Siberia lo lleva a un viaje introspectivo, donde la magia de la naturaleza brillará en todo su esplendor, y pronto pasará de la euforia de la libertad, al extremo de todo lo que hasta ese entonces había conocido. 

El director Safy Nebbou logra transmitir, a través de increíbles panorámicas, la vulnerabilidad del ser humano en un majestuoso planeta. Aderezada con exquisitos acordes de jazz, sin falsas lecciones, la cinta nos presenta la vida como un viaje acelerado, apenas un respiro. La planeada soledad con el frío intempestivo sacuden el alma y el cuerpo; los devaluados bríos con que se suele llegar a los treintas parecieran verse renovados con la experiencia de Teddy. Su capacidad de asombro, antes perdida, retorna con cargada intensidad y la felicidad antes guardada en un cajón palpita desesperada porque no quiere volverse añeja.

Link para ver la película:  https://bit.ly/3bqcZnB

2. Adiós al lenguaje, (Adieu au langage), de Jean-Luc Godard, (Suiza/Francia, 2014)

Adios al lenguaje es una película del genial director franco-suizo Jean-Luc Godard. Siempre controversial, vanguardista, experimental e iconoclasta, aún a sus noventa años años sigue dividiendo a quienes ven sus películas en extremos radicales: quienes lo veneran, y quienes lo odian y es que la película Adiós al lenguaje un genial y masivo ensayo filmado, es una especie de collage auditivo y visual.

Extractos literarios, trozos de piezas musicales, silencios abruptos y elevaciones intempestivas del volumen. Imágenes con colores distorsionados, sobresaturadas, superpuestas en 3D, encuadres fuera de lo convencional, personajes cuyo rostro sólo aparecen esporádicamente, segmentos que por momentos parecen videos casuales de los que cualquiera toma y sube a Youtube.

Adiós al lenguaje es, sin duda, una de las mejores obras de Jean-Luc Godard, uno de los cenits de su carrera cinematográfica.

Link para ver la película:  https://zoowoman.website/wp/movies/adios-al-lenguaje/

3. Monty Pyton: El Sentido de la Vida, (Monty Python: The Meaning of Live), de Roger Graef y James Rogan, (Gran Bretaña, 1983)

El sentido de la vida es un conjunto de episodios que muestran de forma disparatada los momentos más importantes del ciclo de la vida. Desde el nacimiento a la muerte, pasando por asuntos como la filosofía, la historia o la medicina, todo tratado con el inconfundible humor de los populares comediantes ingleses. El prólogo es un cortometraje independiente rodado por Terry Gilliam llamado Seguros permanentes Crimson.

El sentido de la vida es una obra crepuscular de los Pyhton equiparable en madurez y efectismo a La vida de Brian. En el Festival de Cine de Cannes se formó bastante revuelo cuando, sin estar previsto, se anunció su proyección. El público la adoró de inmediato.

Los Monty Python en El sentido de la vida.

Los Monty Python intentan contarnos las vicisitudes del ser humano, desde su nacimiento hasta su muerte. Como era de esperarse lo consiguen a su manera, divirtiendo y dejando para la posteridad varios de sus histriónicos gags. Los variados números musicales no interfieren en la metafísica del filme y más que trabarlo lo impulsan hacia un desconcertante final, por cierto, la famosa canción del esperma, es de lo mejor que han realizado los Python en su carrera.

Link para ver la película:  https://zoowoman.website/wp/movies/el-sentido-de-la-vida/

4. Deseando amar (Faa yeung nin wa), de Wong Kar Wai, (Hong Kong/China, 2000)

Después de una sucesión de películas memorables, Wong Kar-wai destapó la olla de la esencias para regalarnos esta obra imperecedera del cine romántico, plagada de secuencias mágicas y momentos inolvidables.

In the Mood For Love es una película que hipnotiza al espectador desde su primer plano y le deja secuelas para siempre. Tony Leung y Maggie Cheung bordan unas interpretaciones repletas de matices y gestos, que el maestro de Hong-Kong rueda con una sensibilidad fuera de lo normal.

Deseando Amar es una película de otro mundo, un mundo en que los amores imposibles superan la barrera de la eternidad.

Link para ver la película:  https://zoowoman.website/wp/movies/deseando-amar/

5. El viaje de Chihiro, (Sen to Chihiro no kamikakushi), de Hayao Miyazaki, (Japón, 2001)

El viaje de Chihiro es una de esas experiencias que mantienen al espectador fascinado y atento a la pantalla, a sabiendas que cada cinco segundos habrá un hallazgo, una sugerencia, un verso y un fragmento de la mitología y las deidades inventadas por Hayao Miyazaki, para crear un alucinante y atractivo universo en el que se perciben decenas de influencias históricas ancestrales.

Desde ese principio que aterra sin que pase nada, desde los trazos limpios y sencillos de la protagonista, desde el punto de inflexión que abre la puerta de un mundo paralelo, que es tan paralelo que resuma una abierta crítica al capitalismo salvaje de Japón, mostrando la miseria, y los excesos de los habitantes de esa especie de balneario donde los monstruos más adinerados vienen a pasar unas horas de relajación y diversión, y otros como un río muy  contaminado, llegan a depurarse en una típica casa de baños y vapores japonesa, manifestando un poderoso mensaje ecológico. 

Poco se esfuerza Miyazaki, en dejarnos ver, que se trata de un lugar de esos oscuros donde las mujeres fuman. Y qué bien que las verdades no sean absolutas, que la visión no sea maniquea, que los personajes tengan aristas, fondo y trasfondo.

Link para ver la película:  https://zoowoman.website/wp/movies/el-viaje-de-chihiro/

6. Los espigadores y la espigadora, (Les glaneurs et la glaneuse), Agnès Varda, Francia 2000

El documental es un género cinematográfico que inmortaliza el presente y nos deja muy frecuentemente pequeñas joyas, sublimes aportaciones que nos posibilitan reconocer el mundo que habitamos, reflexionando sobre él y tratando de dar respuestas a las inquietudes que nos abordan e incomodan.

Suponemos que con esta filosofía nació en el año 2000, de la cabeza de la veterana realizadora francesa Agnès Varda, el documental titulado Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse). La marca autoral de la directora francesa está presente en cada imagen. La voz de Varda funciona como guía, generando a su vez nuevos interrogantes en el espectador.

El de compartir el gusto y la recomendación de Obras Maestras que no sólo divierten sino que además nos hacen reflexionar sobre las poderosas historias de los seres humanos que se sobreponen a las adversidades y el inmenso placer de rescatar y visibilizar las cintas geniales que sólo los entendidos del cine conocen.

Agnès Varda

En este recorrido personal e histórico, que incluye desde reflexiones personales sobre la vejez y el paso del tiempo, hasta música rap cuyas letras refieren a la contradictoria situación de la abundancia y escasez de alimentos, Varda reflexiona sobre temas sociales que conservan su completa vigencia en el cambio de milenio.

Link para ver la película: https://zoowoman.website/wp/movies/los-espigadores-y-la-espigadora/

7. Rosetta, de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, (Francia/Bélgica 1999)

La película belga Rosetta, de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, ganó la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1999. Fue proyectada en el último día de competencia del festival y, literalmente, le arrebató de las manos el prestigiado trofeo a Todo sobre mi madre, del español Pedro Almodóvar.

En esta película, los Dardenne hunden sus raíces formales, de manejo de imagen y tratamiento de los personajes en la corriente del cinema verité francés de los años 60.  La anécdota de Rosetta es sencilla pero su fondo social es grave. Una película que se asoma a una situación sórdida y la explora hasta sus últimas consecuencias.

Rosetta funciona porque compara el ambiente y la psicología del personaje marginado con atisbos de la “normalidad”, a la cual desea acceder por medio del trabajo.

Link para ver la película: https://zoowoman.website/wp/movies/rosetta/

8. Underground: había una vez un país, de Emir Kusturica, (Yugoslavia/Francia/Alemania/República Checa, 1995)

Underground es una película absolutamente imprescindible para entender la narrativa cinematográfica del panorama europeo, del genio que es Emir Kusturica. Es un repaso por la historia de Yugoslavia en los cincuenta años, que van del final de la Segunda Guerra Mundial al estallido del conflicto de los Balcanes en los noventa sucede, mientras sucede la historia de Marko y Petar, que son ladrones y guerrilleros durante la ocupación nazi del país iniciada en 1941, inspirados en personajes reales de la historia yugoslava de la era del dictador Josip Broz Tito, además de Natalija, actriz en ciernes en esa misma época y amante de Petar y el devenir de esta relación a tres bandas a lo largo del tiempo.

Todo ello va pasando entre continuas y deliciosas escenas de bailes y música estridente de vientos propios del cine de Kusturica (“Mesecina”, pedazo de canción), de bodas celebradas con música, alcohol y comida sin límites, abundantes toques de humor, surrealismo y absurdo, y los habituales guiños cinéfilos del director. La cinta ganó la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes en 1995.

9. Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso), Giuseppe Tornatore, (Italia/Francia, 1988)

Extraordinario elogio a la nostalgia. Curiosamente, Cinema Paradiso comenzó siendo un fracaso. Cuando se estrenó en Italia a finales de 1988, en una versión de 155 minutos, fracasó en taquilla. Entonces le quitaron media hora, ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes, y volvió a los cines italianos. Esa versión fue un éxito en el mercado internacional y acabó ganando el Oscar, el Bafta y el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera.

En un pueblecito italiano durante la posguerra, al niño Totó (Salvatore Cascio) le encantan las películas y siempre que puede se cuela en la cabina de proyección del cine de su pueblo, el Cinema Paradiso del título. Tras unos agarrones con su madre y el proyeccionista Alfredo (Philippe Noriet), Totó logra hacerse amigo de éste y ser su ayudante, aunque Alfredo no quiere que Totó sea un fracasado como él y acabe siendo un simple proyeccionista.

10. Momo, Johannes Schaaf, (República Federal de Alemania/Italia, 1986)

En Momo, la película de Johannes Schaaf, “los hombres grises” se encargan de “capitalizar” el tiempo de los despreocupados habitantes de una ciudad europea, como tantas otras ciudades a las cuales la modernidad todavía no domina por completo. Su antiguo anfiteatro, escenario y productor de mundos imaginarios, en el cual vive Momo, la joven protagonista, artista del tiempo lento, actúa como filtro contenedor de la inmediatez que demanda “el reino de la cantidad”.

El concepto de la existencia encuentra el espacio ideal donde edificar una realidad alternativa. El arte de Johannes Schaaf consiste en adaptar la novela de Michael Ende, genial escritor de La Historia Interminable,  de modo tal que no pierda su autonomía como director, ni la novela vea minimizado su sentido original.

Schaaf se preocupa por trasladar roles, personajes y contenidos sin eludir los significados fundamentales del texto. Esto hace que tanto la película, estrenada en 1986, como la narración de Ende perduren sin que el paso de los años reduzca o atenúe el efecto estético ni tampoco su mensaje. No corren riesgos de que las termitas grises del tiempo los consuman.

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Publicado originalmente en Homocinéfilus.

Fernando Bañuelos Medina es critico de cine con más de 30 años de experiencia en el área del análisis cinematográfico. Ha sido pionero de la crítica de cinematográfica por la televisión nacional a fines de los ochenta y principios de los años noventa con programas como “Tiempos de cine en ECO” y posteriormente “Pantalla Grande”, ambos programas como parte del sistema informativo ECO de Televisa. Actualmente es conductor del programa Homocinéfilus en AdrNetworks, televisión por internet, y director general del sitio www.homocinefilusblog.wordpress.com.

@BanuelosMedina