HOMOCINÉFILUS

Un fáustico y orgiástico festín cinematográfico en línea (tercera parte de cuatro)

¿Qué películas ver en línea y sin ningún costo, durante esta feroz y angustiante cuarentena que nos impone un letal y contagioso virus, el COVID-19? Aquí la tercera parte de cuatro, con diez películas más de “un fáustico y orgiástico festín cinematográfico en línea”, seleccionado por el crítico de cine Fernando Bañuelos.

Por Fernando Bañuelos

21. Insólito: o como aprendí a no preocuparme y amar la bomba (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb), Gran Bretaña- EUA, 1964, de Stanley Kubrick

El general Ripper (Sterling Hayden) se ha pirado, por eso ordena el ataque nuclear a la URSS atrincherándose en su base junto al general Mandrake (Peter Sellers). En tanto el presidente (Sellers, de nuevo) exige al Pentágono una solución que no desate la Tercera Guerra Mundial. Nadie parece dársela, ni el general Turgidson (George C. Scott), ni el embajador soviético (Peter Bull), ni el Dr. Strangelove (Sellers, completando su tour de force) que tiene el mérito de proponer las ideas más derechistas de todas, acerca de la conservación de la raza elegida.

Genial comedia que fue la faz tragicómica de la película Fail-Safe (Sistema de Falla – Punto Límite, Sidney Lumet, 1964), a pesar que esta se estrenó más tarde. Pocos directores han tenido la independencia y la brillantez de Stanley Kubrick, el mismo que después de levantar una polvareda social, religiosa y moral con Lolita (1962), se propuso para su siguiente filme desmitificar la Guerra Fría y burlarse de todos aquellos que detentaban el poder, fuera este político, militar, cultural o intelectual. La situación mundial era muy distinta en los años sesenta, con dos extremos políticos claros y antagónicos representados por Washington y Moscú, mientras en los Estados Unidos, en plena era de la crisis cubana, se padecían los estertores de una rabiosa fiebre anticomunista, avivada por grupos de derecha, racistas y de doble moral.

Link para ver la película: https://zoowoman.website/wp/movies/telefono-rojo-volamos-hacia-moscu/ 

22. La infancia de Iván (Ivanovo detstvo), URSS, 1962, de Andréi Tarkovski

“Pero el problema no está ahí: venga de donde venga, el mal, cuando atraviesa el bien con sus innumerables alfilerazos, revela la trágica verdad del hombre y del progreso histórico. ¿Y dónde podría decirse eso mejor que en la URSS, el único gran país donde la palabra progreso tiene un sentido? Y naturalmente no hay lugar para sacar de ello no sé qué pesimismo. Igual que un optimismo fácil. Sino sólo la voluntad de combatir sin perder jamás de vista el precio que hay que pagar. Sé que conocen mejor que yo el dolor, el sudor y con frecuencia la sangre que cuesta el menor cambio que quiere introducirse en la sociedad; estoy seguro de que apreciarán igual que yo esa película acerca de las pérdidas áridas de la historia. Y la estima que siento por los críticos de L’Unitá  (periódico italiano ligado históricamente al Partido Comunista Italiano) me persuade para que le pida que les muestre esta carta. Me sentiría dichoso si estas pocas observaciones pudieran darles la ocasión de responderme y de abrir de nuevo la discusión acerca de La Infancia de Iván. No es el León de Oro del Festival de Cine de Venecia lo que debería ser la verdadera recompensa de Andréi Tarkovski, sino el interés, aunque fuese polémico, suscitado por su película entre los que luchan juntos por la liberación del hombre y contra la guerra”

Carta del gran filósofo francés Jean-Paul Sartre defendiendo la película por la polémica causada por su estreno  en el Festival de Cine de Venecia por los medios de comunicación comunistas en Italia. Nada más que agregar.

23. La criada, (Hanyo), Corea del Sur, 1960, de Kim Ki-young

Ésta es una de las historias más extrañas y fascinantes del cine de Corea del Sur que vas a ver jamás. Un cóctel de melodrama, thriller, horror y retrato social realizado por Kim Ki-young que se encuentra entre los títulos favoritos del último triunfador de los Óscar, Bong Joon-ho, director de la celebrada Parásitos.

La criada es un melodrama surcoreano donde la maldad y la locura tienen cara de mujer. Con un comienzo que sufre tropiezos, tres cambios de mujer protagónica, que a la vez sirven para aumentar los niveles de insanidad, el filme paulatinamente sufre una transformación morbosa, tóxica y atrapante que no se detiene hasta el final, el cual desconcierta con un poco de humor y una moraleja al mejor estilo de He-Man y los Amos del Universo.

La historia se nutre de la violencia psicológica que atosiga al espectador como si estuviera ante un filme gore sin la necesidad de recaer en la violencia externa. El horror está presente dentro del recuadro de la cámara y dentro de la mente de los atormentados personajes. Un sinfín de actos tortuosos que abarcan desde la confesión de una infidelidad hasta el envenenamiento.

Casi toda la acción del filme transcurre en el hogar de una familia trabajadora a la espera de un tercer hijo. Cuando los problemas no tardan en aparecer, las paredes de la casa parecen cernirse sobre los personajes y el espectador incrementando, desde una puesta en escena muy teatral, la atmósfera claustrofóbica que los hunde cada vez más en la desesperación.

24. Vértigo (Vertigo), EUA 1958, de Alfred Hitchcock

Vértigo es una de las películas más criticadas en el pasado y ahora considerada como una de las obras maestras del siglo XX. Dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por James Stewart y Kim Novak. Una cinta que rompe todos los esquemas del policial de la época para contarnos al final una historia de amor sin parangón.

¿Por qué una película que fue menospreciada en el momento de su estreno ha llegado a su máxima consideración en la actualidad, desbancando a Ciudadano Kane, de Orson Welles (1941), como la mejor película de la historia en la encuesta de Sight & Sound (y en otras) publicada en 2012? La respuesta podría estar en que Vértigo entronca con algunas de las reflexiones de los cineastas y la crítica de este primer tercio del siglo XXI: el estatuto de la imagen, las relaciones entre realidad y su representación, lo real y lo aparente, la (re)construcción de una imagen que explique el mundo y a nosotros mismos, la posición del espectador ante la multiplicación de pantallas y de las imágenes que generan.

Link para ver la película: https://zoowoman.website/wp/movies/vertigo/

25. El séptimo sello (Det sjunde inseglet), Suecia, 1957, de Ingmar Bergman

El séptimo sello es una obra profundamente moral y psicológica, que intenta tras una estética y un discurso muy cuidados, responder, o al menos preguntarse, sobre algunas de las cuestiones que engloban el misterio de la vida y la muerte.

Éste es el primer pilar fundamental sobre el que se construye ese filme de autor, porque sin las preguntas existenciales bergmanianas la película no se podría articular, sería una historia sin un porqué, sin una cabeza que piensa detrás de todo ello y nos plantea una situación. Y es que como alegaba Alexander Astruc, uno de los primeros teóricos del cine, mucho después del nacimiento de este largometraje: “es el “yo” de detrás de la cámara quien construye el relato, y nosotros como espectadores miramos a través de ésa mirada”.

Película completa, aquí abajo:

26. Lo que el cielo nos da (All that heaven allows), EUA, 1955, de Douglas Sirk

Una viuda de buena familia inicia un romance con su apuesto jardinero. A pesar de pertenecer a dos mundos completamente diferentes deciden casarse, pero su amor tropieza con el rechazo de los hijos de la mujer y de su círculo social. 

Fresco de época, que en apariencia es un melodrama típico pero en perspectiva es un estudio sobre la sociedad norteamericana de los años 50, en particular de la clase alta suburbana, en toda su complejidad y contradicciones.

Los personajes parecen atrapados en un laberinto de conformismo y buenas costumbres, que los termina acorralando. En paralelo, podría pensarse que la película también nos habla del mismo director, quien huyó del nazismo en 1937, desarrollando luego una carrera muy prolífica en Estados Unidos.

La película cuestiona las bases del sentido común predominante en Estados Unidos durante los años 50, a la vez que narra una historia de amor entre una típica ama de casa que acaba de enviudar y su jardinero. La actuación de Rock Hudson es perfecta por su naturalismo, mientras que la actuación de Jane Wyman destaca por su aspecto naive.

Película completa, aquí abajo:

27. Te querré siempre (Viaggio in Italia), Italia-Francia, 1954, de Roberto Rossellini

“Con la aparición de Viaggio in Italia, de pronto todas las películas han envejecido diez años”, escribió el cineasta francés Jacques Rivette, en 1955 y es que estamos ante un gran filme que refleja como pocos una crisis matrimonial y que tiene elementos diáfanos de un road movie que nos presenta a una pareja inglesa que debe viajar a Italia para vender una villa que ha heredado cerca de Nápoles.

Al alejarse del ambiente londinense y encontrarse en un paisaje y en un mundo ajeno, la pareja experimenta sentimientos olvidados, como los celos y el resentimiento. En el momento de su estreno, En Viaje a Italia, decimocuarto largometraje de Roberto Rossellini (1906-1977), no complació a casi nadie.

La crítica italiana e internacional crucificó al filme, el público le dio la espalda y ni siquiera sus actores protagónicos, Georges Sanders e Ingrid Bergman, esposa de Rossellini en ese momento, estaban convencidos de la calidad de la película, pero también hubo sus excepciones. ¡Y qué excepciones! Prácticamente toda la plantilla de críticos de cine de la revista Cahiers du Cinéma defendió a capa y espada la cinta.

En una encuesta que la propia revista francesa organizó en 1958 para elegir el top-ten de la historia del cine, En Viaje a Italia quedó en tercer lugar, sólo atrás de Sunrise de F. W. Murnau y Las Reglas del Juego de Jane Renoir. Pocos años después, un actor de Antes de la Revolución, de Bernardo Bertolucci (Italia 1964), presumió haber visto 15 veces En Viaje a Italia para después afirmar, exaltado: “No se puede vivir sin Rossellini”.

Más de medio siglo después de este debate, no queda más remedio que constatar, otra vez, que si bien los cahieristas pudieron haber perdido la batalla crítica en esos años, con el paso del tiempo es obvio que terminaron ganando la guerra del canon fílmico. Aunque es cierto que ahora resultan francamente desproporcionados los elogios a este discutido filme de Roberto Rossellini, no se puede negar tampoco la influencia que esta cinta tuvo en la obra “modernista” de los años siguientes, especialmente en las películas de Michelangelo Antonioni y Jean-Luc Godard.

Película completa, aquí abajo:

28. Noche en la ciudad (Night and the City), Estados Unidos-Gran Bretaña, 1950, de Jules Dassin

Bajo su envoltorio de cine de género, Noche en la ciudad esconde algunas de las inquietudes y rasgos de identidad de Jules Dassin, y sin duda refleja la presión y las difíciles circunstancias a las que se veía sometido durante el rodaje. El filme le permite articular un poderoso testimonio personal, a través de un relato que se sustenta en una sucesión de traiciones entre sus personajes.

No es extraño que Dassin pudiese sentirse identificado con el  personaje principal, Richard Widmark como Henry Fabian,  que parece destinado a huir, un buscavidas que retrata con todas sus debilidades y bajezas, pero sobre el que despliega una gran comprensión.

Finalmente, el devenir de este personaje le permite plasmar el desasosiego, estado que genera la certeza de una constante persecución. Estas connotaciones personales, junto al hecho de tratarse de un filme de cine negro ambientado en Londres, pero realizado bajo la mirada de un cineasta americano que se había distinguido por una visión realista de las ciudades, influyeron poderosamente en los resultados de la película, tanto en su extraño y sugestivo poder visual, como en el palpable desaliento en el trasfondo del relato.

29. Los Olvidados, México, 1950, de Luis Buñuel

Ricos y pobres, barrios altos y barrios bajos, familias que viven en la opulencia y familias que sobreviven en la máxima pobreza. Así están configuradas la mayoría de grandes urbes del planeta. Dos mundos opuestos en uno.

Una vez estrenada su segunda película mexicana (El gran Calavera), Luis Buñuel recibió una oferta del productor Óscar Dancigers para realizar un filme que se centrara en la pobreza de los barrios bajos de México. El cineasta rodó Los olvidados, un retrato de las jóvenes víctimas de la miseria de la sociedad, unas víctimas que acaban por convertirse en instintivos y violentos animales hambrientos.

El personaje de Jaibo, interpretado espléndidamente por Roberto Cobo, lo ve claro al final del filme en esa extraña visión que tiene mientras agoniza en el suelo: el joven observa la imagen de un perro callejero que refleja perfectamente en qué se ha convertido su existencia.

Película completa, aquí abajo:

30. El río (The River), de Francia-Gran Bretaña-India-Estados Unidos, 1951, de Jean Renoir

El río no es una película neorrealista, aunque sí uno que atiende en primer lugar el decorado real en que habitan los personajes. Podría decirse que es un documental ataviado con una historia de amor, con tres historias sobre ese sentimiento.

Cuando Jean Renoir decidió rodar en la India, ya sabía que la fuerte impresión de aquel país debía plasmarse en imágenes que respondieran a la realidad antes que al tópico. Los productores querían filmar una aventura con cacería de elefantes porque, decían, “la India, sin elefantes y sin cacerías, no es la India”. El director se negó tanto a esta posibilidad como a la del inevitable y feroz reportaje sobre la miseria y el hambre.

El realizador Martin Scorsese, por ejemplo, habla de la trascendental influencia de la película El Rio en su formación como cineasta.

Película completa, aquí abajo:

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Fernando Bañuelos Medina es critico de cine con más de 30 años de experiencia en el área del análisis cinematográfico. Ha sido pionero de la crítica de cinematográfica por la televisión nacional a fines de los ochenta y principios de los años noventa con programas como “Tiempos de cine en ECO” y posteriormente “Pantalla Grande”, ambos programas como parte del sistema informativo ECO de Televisa. Actualmente es conductor del programa Homocinéfilus en AdrNetworks, televisión por internet, y director general del sitio www.homocinefilusblog.wordpress.com.

@BanuelosMedina